Ambulante California lanza su campaña en Kickstarter

Ambulante, gira de documentales, invita a su público y a toda la gente interesada en la difusión y exhibición de cine documental, a participar en su campaña para llevar su labor más allá de nuestras fronteras.  La Gira busca ampliar los circuitos tradicionales de exhibición en México más allá de las sedes comerciales con el objetivo de alcanzar a distintos grupos. El festival es no competitivo y ofrece el 60% de su programación de manera gratuita. Además de proyecciones, se organizan talleres, encuentros con realizadores, seminarios, paneles de industria, teatro documental, autocinemas, entre otras cosas. Actualmente, Ambulante es el festival de documental de mayor alcance en México y un espacio de exhibición único en el mundo. ¡Apoyemos el buen cine!

 

Screen shot 2014-06-27 at 14.16.13

 

Ambulante Global

En el 2014, Ambulante viajará por primera vez a California (21 de septiembre – 4 de octubre) así como a las ciudades de Medellín, Bogotá, Cartagena y Barranquilla, en Colombia (26 de agosto – 21 de septiembre). Además, la 4ª edición de Ambulante El Salvador tuvo lugar del 8 al 18 de mayo.

Con el objetivo de completar el presupuesto de producción necesario para hacer posible la primera edición de la Gira de Documentales en California –que tendrá lugar del 21 de septiembre al 4 de octubre– Ambulante lanzó su campaña interactiva de recaudación de fondos en Kickstarter.com, la popular plataforma de financiación online.

“El apoyo percibido durante los 30 días de campaña se destinará a cubrir los gastos de logística y exhibición del festival en Los Ángeles”, dice el comunicado de prensa de Ambulante. Como recompensas a lo largo de los 30 días de campaña, a cada persona que contribuya al proyecto se le mandarán una serie de videos exclusivos: detrás de cámaras y anécdotas que revelen la historia de Ambulante contadas por cineastas, miembros del equipo y voluntarios. Otra decena de recompensas, en función de la aportación recibida, incluyen presencia en la página web de Ambulante, postales firmadas por nuestros fundadores, playeras y botones, presencia en el tráiler de Ambulante California, acceso a visionados de películas online, invitaciones a fiestas que contarán con la presencia de los fundadores de Ambulante, carteles firmados, invitaciones a premieres, colección exclusiva de dvds, y estancia en Oaxaca en la clausura de Ambulante Gira de Documentales 2015.

Ambulante California solicita la mínima cantidad de fondos que necesita para cubrir gastos de renta de equipo de proyección y audio, así como el transporte en el área de Los Ángeles durante las dos semanas del festival, y otros gastos de logística que exige la producción de un evento de estas características. Nos hemos unido a la comunidad de Kickstarter en busca de colaboradores, socios, aliados y amigos que compartan nuestro punto de vista.

 

 

Durante la primera edición de Ambulante California buscaremos extender nuestra red de colaboradores, trabajar con distintos socios locales y crear un contexto adecuado para la recepción del cine documental, además de potenciar el impacto y la visibilidad de este importante género en el extranjero.

 

Link a la campaña en Kickstarter: http://kck.st/1lAXxHO

http://ambulante.com.mx/es/global/california

@AmbulanteCA

#BringAmbulante2CA

 

 

“Después de Tiller”, documental de Martha Shane y Lana Wilson

Mientras comíamos, mi amiga me preguntó, “¿de qué trata el documental?”. Ya le había mencionado que era sobre el aborto, pero nada más. “Es sobre los únicos cuatro médicos que practican abortos en el tercer trimestre de embarazo en Estados Unidos”, le respondí. Su mirada se oscureció y me dijo “pero eso no está bien”. Traté de aligerar la plática argumentando que no sabía si el documental era a favor o en contra de dicha práctica y cambié de tema lo más rápido que pude. No obstante, para cuando terminamos de comer, mi amiga ya había pedido disculpas porque tenía un evento familiar que había olvidado y no podría acompañarme a la función. Era la segunda persona que se retractaba de mi invitación a ver este documental (ya antes un amigo había dicho que no en cuanto mencioné la palabra “aborto”).

El documental del que hablo es Después de Tiller (After Tiller, 2013). En él se retratan, como ya dije, las vidas de los únicos cuatro médicos que practican abortos en el tercer trimestre de embarazo después del asesinato del doctor George Tiller en 2009. La película se enfoca tanto en los casos particulares de las mujeres que buscan realizarse un aborto en la última etapa de la gestación del bebé como en el trabajo que los médicos realizan dentro y fuera de sus clínicas, los problemas que enfrentan con  grupos anti-abortistas, los conflictos personales que tienen al realizar esta actividad y cómo su profesión repercute en sus vidas y en la de sus familias.

Lo primero que el documental hace es dejar en claro las razones para que se practiquen estos abortos. Contrario a lo que se pensaría, y a la idea que tratan de promover los grupos anti-abortistas, casi todas estas mujeres (que, cabe mencionarse, van acompañadas de sus parejas) tienen que recurrir al aborto no porque no quieran a sus bebés, sino porque los quieren. En la mayoría de los casos que documenta la película, los bebés han sido diagnosticados con enfermedades que impedirán que tengan una buena calidad de vida (uno de los bebés nacerá sin la mitad del cerebro, otro tiene una malformación que provocará, en caso de que nazca vivo, que viva a lo mucho un par de años y con dolor físico extremo). Sólo se menciona un caso de violación y uno de una adolescente que se embaraza en su primer encuentro sexual. En ambas situaciones, se hace énfasis en el estado de negación y/o de shock que impidieron a estas mujeres tomar una decisión “a tiempo”. Así, al tratar a profundidad el dolor que estas mujeres sienten, sea cual sea la razón por la que se acercan a estos médicos, se humaniza a las pacientes y a quienes las atienden (pues ellos están concientes de ese dolor y tratan, en lo posible, de ayudarlas en su proceso de duelo).

El documental hace énfasis en cómo los médicos crean vínculos emocionales con sus pacientes y las consecuencias que eso tiene en ellos (una de las doctoras señala que le cuesta mucho trabajo realizar los abortos porque ve a los productos como bebés, no como fetos). También se muestran los elementos que los médicos toman en consideración para atender o no a una paciente, pues existe un filtro que tienen para realizar abortos sólo a casos extremos, y cómo justifican su práctica.

La constante lucha que viven estos médicos con los grupos anti-abortistas también es un tema al que se le da mucha importancia (no en vano el origen del documental es el asesinato del doctor Tiller a manos de un activista anti-aborto cuando estaba en misa un domingo en la mañana). Si bien es innegable que la película tiene una visión a favor de la labor de estos médicos, se le da tiempo a los grupos en contra para que expongan sus razones (aunque éstas sean desinformadas y basadas en dogmas religiosos). Se muestran las manifestaciones que diariamente hacen afuera de las clínicas y que consisten en oraciones y gritos sobre almas que arderán eternamente en el infierno, pero también las amenazas de muerte que doctores, sus parejas e hijos reciben por teléfono, y las estrategias políticas que utilizan para influir en el gobierno para prohibir el aborto en esta etapa por considerarlo asesinato.

El gran acierto del documental es la sensibilidad con que aborda un aspecto particularmente delicado en un tema muy controversial en sí mismo, pero sin dejar de ser claro y directo. El hecho de que se trate de mostrar el lado positivo de la labor que estos médicos realizan no lo vuelve monológico ni busca cambiar la opinión que cada persona tiene sobre ellos. Sólo busca dar voz a quienes son vistos por gran parte de la sociedad como seres que realizan actos reprobables y romper con los prejuicios que se tienen de ellos y de sus pacientes. Busca mostrar el lado humano de un acto difícil de racionalizar y mostrar por qué las mujeres deben tener derecho a decidir sobre su cuerpo sin temer los señalamientos del resto de la sociedad. Sin duda el tema asusta, como ocurrió con mis amigos, pero precisamente por eso Después de Tiller es importante; porque reaviva la discusión que se tiene sobre los derechos reproductivos de las mujeres sin perder de vista su lado humano y emocional.

Antonio Puente

Reseña: Julia de Jackie Baier

Julia es artista. Nació y creció en Klaipeda, Lituania y ahora vive en Alemania. Tiene muchos amigos y en general es muy querida. Julia es fotogénica; su belleza y la intensidad de su mirada se amplifican notablemente frente al lente de una cámara. Pelo rubio, de esos tonos que no se pueden obtener con tintes; piel tersa; labios carnosos y ojos penetrantes.  Julia es extrovertida, divertida y tiene un gran sentido del humor. Es inteligente; brillante, incluso. Habla cuatro idiomas y sabe insultar como marinero ruso. Nunca se guarda sus opiniones, se expresa libremente y cuando se equivoca acepta las consecuencias. Julia se enamora, llora y ríe. Julia es como cualquiera de nosotras. Pero no.

Julia es prostituta. Es adicta al alcohol y a la heroína. Julia prefiere no estar sobria. Recoge colillas de cigarros para fumar los restos de tabaco. No ha hablado con su familia ni regresado a su país en más de 10 años. No considera que la cocaína sea una droga. Julia arrastra las palabras con frecuencia (pero no se tambalea ni en los zapatos más altos). Julia se despide con un beso de sus clientes, un gesto más dulce que obligado. Julia pierde la consciencia en demasiadas ocasiones.

Julia puede definirse de mil maneras excepto en un aspecto, el cual alteró por completo el rumbo de su vida. Julia es mujer, pero no biológicamente: “No puedo decir que soy mujer, pero tampoco puedo decir que sea hombre. Soy algo en medio. Soy algo, pero no se encuentra en el diccionario. Soy una creación de Dios, pero una creación extraña. Dios no estaba poniendo atención cuando me hizo”, explica Julia.

En más de una ocasión, la protagonista de este documental dice que sus padres habían querido tener un hijo pero la tuvieron a ella. Está convencida de que su abuelo se sentiría decepcionado si la viera hoy en día. La relación con su pasado, la raíces de un país que dejó creyendo que en Alemania podría hacer y ser cualquier cosa, es la gran herida abierta de su vida. “Lituania estuvo tras la Cortina de Hierro hasta los años 90; la situación cuando Julia creció no es muy distinta a la de Rusia hoy en día”, dijo la directora y fotógrafa Jackie Baier (House of Shame: Chantal All Night Long, 2011) durante la mesa de cine queer y sus creadores en el marco del Premio Maguey en el FICG29. Sin embargo, Julia siempre conservó, en gran medida, su libertad. Se fue porque se eligió a sí misma, aunque resulte muy difícil de entender. Por eso trabaja en la calle, porque ahí no tiene que rendirle cuentas a nadie, elige sus propios clientes y hace las transacciones por sí misma. Julia es más libre en la calle que en muchos otros lugares, incluyendo bares y burdeles, su propia casa y el hogar en el que creció. El dolor de Julia está en mirar atrás y recordar que al final todo fue la decisión de vivir como la mujer que es y se siente, y no como el hombre que nació; el dolor está en que eso sea incompatible con la vida que pudo haber construido en su país, con su familia, con su carrera artística, con su diploma universitario.

Este documental, ganador de la mención honorífica en el Premio Maguey del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, se separa radicalmente de otras cintas sobre prostitución por la cercanía que existe entre la directora y fotógrafa, quien conoció a Julia mientras trabajaban en un pequeño bar/burdel en Berlín. Comenzó a fotografiarla casi inmediatamente después de conocerla; la conexión entre ambas mujeres y la cámara fue como una adicción, explicó Baier en la sesión de preguntas y respuestas después de la proyección de su cinta en el FICG. Jackie ha documentado y seguido a Julia durante 10 años y la prueba está en la forma narrativa, en el amor perceptible en los encuadres, en la honestidad sin límites de la protagonista, en la imposibilidad de juzgar o intervenir.

Este filme es un retrato cercano a Julia como humana, no como prostituta ni como transexual, no como sujeto de estudio, sino como un ser amado. No pretende ser informativo ni generar un juicio social, y mucho menos apuntar dedos para señalar culpables, lo cual es una constante en documentales que (por más supuesta objetividad) dejan una sensación de dolor de mundo, de dedo en una llaga, que muchas veces sólo genera odio o malentendido por el juego maniqueo de víctimas vs victimarios. En lugar de eso, esta cinta genera el amor más profundo por una mujer completa, con todas las características que la componen, con una mente y un cuerpo libres a pesar de las circunstancias. Amor que transmite la directora (“Estoy un poco enamorada de ella, como verán en la película”, dijo Baier en la mesa de debate) a través de las fotografías que ha reunido durante años y una puesta en cámara siempre respetuosa. El tono de la película es triste, pero no por la situaciones ni por las anécdotas relatadas, sino por los aspectos formales. Uno de los elementos más destacables de la cinta es la música, que más que manipular al espectador a sentir lástima, tristeza o empatía, complementa la belleza de las imágenes, en especial cuando vemos a la hermosa Julia en los múltiples retratos en de Baier.

Baier dijo que le interesa la visibilidad, no de su película como obra artística ni de denuncia, sino de Julia como persona. Porque más que hablar de ella, este documental deja que Julia hable, muestre los aspectos que quiere mostrar de sí misma y a través de ellos plantee una realidad que muchas veces se nos escapa. Debajo de las etiquetas más obvias, comenzando por el sexo, el género, el aspecto físico y la raza, hay todo un mundo interior. La prostitución se puede generalizar como problema o fenómeno; se puede estudiar las causas y analizar los contextos; se puede contabilizar cuántas personas mueren en un año por violencia relacionada al trabajo sexual, por el uso de drogas en este medio o por la falta de atención médica o psicológica. Sin embargo, las historias son infinitas y la de Julia, aunque sea sólo una, o peor, una más, nos recuerda que estamos ante seres humanos y no estadísticas. Los números son personas reales. A veces se nos olvida.

 Hipatia Argüero Mendoza

Ficción Maguey: Películas en competencia FICG29

“Explotando el impacto del cine en la sociedad moderna y con la finalidad de promover una cultura de tolerancia y no discriminación, el Festival Internacional de Cine en Guadalajara en su edición número 29 (FICG29) presenta por tercera ocasión el Premio Maguey; un galardón otorgado a las producciones cinematográficas que exponen narrativas sobre una sexualidad abierta, un cine incluyente de aceptación a la diversidad sexual en todas sus manifestaciones, que concede voz a las “minorías” que hasta el momento resisten ante la opresión.
El Premio Maguey está a favor del cine LGBTTTI (lésbico, gay, bisexual, transexual, travesti, transgénero e intersexual) que busca la erradicación de la homofobia y de la discriminación sexual en el mundo. Un total de 18 películas provenientes de 14 países conforman la Selección Oficial para competir por el Premio Maguey 03.”

Comunicado de prensa FICG29

El Festival Internacional de Cine en Guadalajara presenta las películas de ficción que formarán parte de la tercera edición del Premio Maguey.

Cuatro Lunas, Sergio Tovar Velarde, México, 2014 (También compite por Premio MEZCAL.)

El segundo largometraje de Sergio Tovar Velarde (después de su ópera prima, Aurora Boreal, estrenada en el Festival de San Sebastián en 2010) es la única película mexicana seleccionada para este premio. La cinta narra cuatro historias paralelas unidas por un conflicto similar relativo a la homosexualidad, el descubrimiento de la identidad sexual y su aceptación, a través de personajes pertenecientes a cuatro generaciones distintas.

 

La Dune, Yossi Aviram, Israel, 2013

El primer largometraje de Yossi Aviram como director narra el cruce de dos personajes de mundos distintos:  Hanoch, un reparador de bicicletas israelí de cuarenta y tantos, y Reuven, un detective francés encargado de encontrar a personas desaparecidas que está a punto de retirarse.

Tras declarar no estar listo para ser padre, razón por la cual su esposa interrumpe su embarazo y se separa de él, Hanoch sale del país con el fin de seguir de manera silente y por razones desconocidas al mismo Reuven. Por su parte Reuven, quien lleva una sólida vida de pareja con Paolo desde hace mucho tiempo, está en medio de una crisis por los cambios de la vejez. Sin embargo, decide aceptar un último caso: el de Hanoch.   La película está construida casi sin diálogos y a partir de la dilatación de un misterio que se aclara poco a poco. 
la-dune

 

Dvojina // Dual, Nejc Gazvoda, Eslovenia, 2013

Esta cinta explora la complicidad y la relación breve pero intensa entre dos mujeres que se encuentran por casualidad durante la pausa antes de la tormenta de sus vidas. El vuelo de Iben se cancela por problemas climáticos y Tina es la encargada de manejar el autobús del aeropuerto que llevará a los pasajeros a un hotel. Este acercamiento entre dos extrañas que no comparten lenguaje ni contexto, se complica por el secreto de una y por el poco entendimiento de la otra.

Dual se refiere a un antiguo número gramatical que sobrevive en algunos lenguajes indoeuropeos incluyendo el esloveno. A diferencia del plural, que incluye una cantidad indeterminada de sustantivos a partir de dos, la forma dual sirve para identificar a dos objetos o sujetos precisos.

 

Freier Fall // Free Fall, Stephan Lacant, Alemania, 2013

El trailer de esta película la llama “La Brokeback Mountain alemana” (en referencia a Secreto en la montaña de Ang Lee, 2005), sin embargo este enfoque parece ser más una técnica de marketing que una descripción adecuada de la cinta. Los personajes son Marc y Kay, policías que se encuentran en un campamento de entrenamiento e inmediatamente sienten una gran atracción. Marc ha construido la vida que quiere, o pensó querer: una buena relación con su novia, cercanía con sus padres y un bebé en camino.

Hasta ahora hay más de un par de elementos en común con la cinta de Lee, sin embargo hay una diferencia fundamental: la elección del personaje central no está entre la vida y la muerte, entre aceptar o negar por un sentido de autopreservación, y no está ubicada en el callejón sin salida de la homofobia más dura. Free Fall (o Caída libre, que sería su traducción literal) retrata una lucha interna moderna y terrible por lo difícil que es justificarla, porque el adulterio en la ficción está bien siempre y cuando sea por amor verdadero, ¿pero cómo justificamos la lujuria? Más que un enfoque maniqueo de “amor verdadero” vs autoengaño, esta cinta plantea al personaje de Marc en medio de un conflicto pocas veces abordado: la bisexualidad.

 

 

Getting Go, the go doc project, Cory Krueckeberg, EUA, 2013

Si cada vez que nos obsesionamos con una persona decidiéramos contactarla y pedirle que protagonizara un documental, habría muchísimas películas como esta. Este falso documental es el sueño cumplido de un fan de internet, el drama de que la ficción alrededor de un personaje admirado y construido desde lejos invada la realidad (que en realidad invade a la ficción porque, de nuevo, no es un documental).

 

Gerontophilia // Gerontofilia, Bruce La Bruce, Canadá, 2013

Si la categoría de “películas de serie B/videoarte queer” existiera, Bruce LaBruce sería el rey. En esta ocasión, LaBruce se aleja de la experimentación (la cual se puede admirar en la extraordinaria y reciente Pierrot Lunaire), y opta por una historia lineal, más convencional y dentro del género de la comedia romántica. Por supuesto, viniendo de LaBruce, no podemos esperar demasiada convención y probablemente sea buena idea no asumir que, por ser tan diferente a sus trabajos anteriores, no habrá un par de escenas que nos hagan cerrar los ojos o, por lo menos, sonrojarnos un poco.

 

 

Hoje eu quero voltar sozhino // The way he looks, Daniel Ribeiro, Brasil, 2013 (También compite por Largometraje Iberoamericano de Ficción).

Basada en el cortometraje del mismo director “Eu Não Quero Voltar Sozinho”, esta película brasileña ha arrasado en los festivales internacionales. Este año Daniel Ribeiro y su equipo han recibido una serie de galardones importantes incluyendo el premio Teddy de la Berlinale.

 

Pelo Malo, Mariana Rondón, Venezuela, 2013 (También compite por Largometraje Iberoamericano de Ficción).

Un niño tiene un deseo muy simple: alaciar su cabello. Esto genera un constante conflicto con su madre, quien en medio de una crisis laboral, reacciona con cierta homofobia al comportamiento de su hijo de ocho años. La cinta no se reduce al descubrimiento de la sexualidad de un personaje ni a la confrontación familiar resultante, sino que pone el contexto, la pobreza e inestabilidad de Venezuela, en en centro de una serie de “ideologías fallidas”, como dice Jay Weissberg en su crítica para Variety.

 

 

Plynace wiezowce // Floating Skyscrapers, Tomasz Wasilewski, Polonia, 2013

La segunda cinta de Tomasz Wasilewski ha sido llamada “la primera película gay de Polonia”. En una entrevista para So So Gay, Wasilewski explicó la carencia de protagonistas homosexuales (siempre están en el fondo) y, sobre todo, la necesidad de construir un retrato humano y no caricaturizado de un personaje cuya sexualidad genera cambios y desata conflictos pero no es el único rasgo definitorio.

“Por un lado, la gente dice que necesitamos personajes así en el cine polaco. Por el otro, la película e incluso el cartel promocional detonaron mucha controversia. De pronto una ola de odio dirigido a las minorías sexuales inundó el Internet. Al parecer la cinta revivió la discusión. Estamos contentos de haber hecho una buena película sobre personas reales. Es lo más importante”.

– Tomasz Wasilewski

 

 

Sarah préfère la course, Chloé Robichaud, Francia (Quebec), 2013

Esta es la historia de un personaje cuya indiferencia ante la vida es casi patológica. Sarah es una joven de 20 años con un sólo interés: correr. Sarah puede decir que sí a casi cualquier cosa u oportunidad que le permita seguir corriendo. Es por esto que acepta mudarse a Montreal y casarse con un compañero para ser acreedora de las ventajas del matrimonio por conveniencia. En realidad, Sarah corre para alejarse de sí misma y para evitar todas las emociones que generan desconcierto en el espectador precisamente porque no están presentes, o por lo menos no de manera visible.

La directora, Chloé Robichaud, es una de las pocas mujeres que compiten por este premio este año.

 

Snails in the Rain, Yariv Mozer, Israel, 2013

El cine israelí de los últimos años incluye muchas cintas de temática LGBT (en esta lista hay dos, por ejemplo). Por lo general están ligadas al conflicto armado, el ejército o la guerra en general. Snails in the Rain se suma a estas cintas de manera muy distinta, pues se trata de un rompecabezas cuyas piezas surgen de los recuerdos de Boaz, un exmilitar que vive con su novia. El orden natural de las cosas cambia cuando recibe cartas anónimas que, evidentemente, fueron escritas por un hombre. Esto hace que Boaz reviva su tiempo en el ejército y se enfrente con sentimientos reprimidos y secretos.

Para ponerlo con un poco de humor, “Boaz (Yoav Eruveni) es un hombre muy atractivo, se nota con sólo un vistazo. Pero si por alguna razón los espectadores no están tan seguros, la escena inicial de Snails in the Rain es básicamente un montaje de todo ser vivo (mujeres, hombres y caracoles) mirándolo como si quisieran devorarlo” (reseña en So So Gay).

 

 

TEST, Chris Mason Johnson, EUA, 2013

Esta película está ubicada en San Francisco en 1985, es decir, durante los primeros años del VIH/SIDA. Se trata de un momento incertidumbre de paralizante (¿qué significa ser VIH positivo?) en el que la mejor alternativa es el alivio de elegir no saber. Test retrata un momento en que decidir enfrentar la enfermedad implicaba terminar en un aislamiento absoluto y con una sentencia de muerte. Es triste pensar que una película así tenga tanta relevancia hoy en día cuando se ha llegado a un entendimiento mucho más profundo de esta condición, lo cual anularía muchas de las supuestas razones que durante muchos años sustentaron la discriminación.

 

 

Tom à la ferme // Tom at the Farm, Xavier Dolan, Canadá 2013

Tom à la ferme es el cuarto largometraje dirigido por esta joven promesa del cine, Xavier Dolan, quien a sus 24 años se ha desempeñado como productor, actor, escritor y director. Después de su debut con I Killed my Mother (2009) y su éxito en festivales con la ambiciosa Laurence Anyways (2012), ambas relativas a temas de identidad sexual, Dolan presenta la historia de Tom, un joven que decide ir al funeral de su amante en la casa de sus padres. La familia de Guillaume no sabe de su relación con Tom y optan por creer la historia un tanto inverosímil con la que el joven explica su presencia en el funeral. Sin embargo, Francis, hermano mayor de Guillaume sabe la verdad y la utiliza para amenazar a Tom y abusar de él física y mentalmente.

“Aunque la cinta está basada en la obra teatral de Michel-Marc Bouchard (quien comparte el crédito de guión con Dolan), hay muchos guiños a la literatura de Patricia Highsmith, pues se trata de una historia de identidades asumidas pero elásticas y rivalidad masculina con carga erótica. No parece ser accidental que el protagonista difícil de conocer comparta el nombre del engañoso antihéroe de Highsmith: Tom Ripley”.

– Guy Lodge, Variety

 

Viharsarok //Land of Storms, Ádám Császi, EUA, 2014

Szabolcs (András Sütö) y Bernard (Sebastian Urzendowsky) son mejores amigos que viven juntos y juegan en el mismo equipo de futbol alemán. Después de perder un partido, Szabolcs (apodado Szabi de cariño) decide ir a su casa en Hungría donde conoce a otro joven, Áron. Juntos comienzan una relación peligrosa por el contexto de homofobia en el que viven, demasiado expuestos al infierno chico del mundo rural y a las presiones sociales y de familia que los rodean. Las cosas se complican aún más cuando Bernard aparece buscando retomar su relación con Szabi.

“Land of storms no titubea al retratar la homofobia, ya sea en las frases escupidas durante el entrenamiento deportivo o a través de las brutales golpizas en el espacio rural. Szabi se convierte en un héroe por sobrevivir las pedradas del odio más indignante, no de manera directa dentro de la trama, sino por el subtexto.Por otro lado, la intensidad introspectiva de Sutö amplifica el conflicto de un hombre que apenas ha comenzado a creer que puede controlar su propio destino, y no vivir como otros quieren”.

– Jay Wisseberg, Variety

Fuentes:

http://sosogay.co.uk/2013/interview-tomasz-wasilewski-polands-first-lgbt-film/

http://sosogay.co.uk/2013/uk-jewish-film-festival-review-snails-rain/

http://variety.com/2013/film/reviews/cannes-film-review-sarah-prefers-to-run-1200488112/

http://variety.com/2013/film/reviews/tom-at-the-farm-review-venice-toronto-1200596353/

http://variety.com/2014/film/reviews/berlin-film-review-land-of-storms-1201112827/

Riviera Maya con perspectiva de género

En la programación 2014 del RMFF abundan filmes relacionados con temas como la sexualidad, la maternidad, el desafío de los roles tradicionales de género, la feminidad, la masculinidad, la prostitución y la violencia de género.  Resulta destacable la presencia importante de directoras en el programa de la edición 2014 del Riviera Maya Film Festival en casi todas las secciones a excepción de la Plataforma Mexicana (esto último es digno de reflexión).

A continuación  las 8 cintas que MICGénero seleccionó como parte de nuestras recomendaciones con perspectiva de género:

1. La vida después, David Pablos, México, 2013 – Sección: Plataforma mexicana

Esta ópera prima es una exploración de la figura materna, la formación de lazos emocionales durante la infancia y su ruptura durante el crecimiento. En esta película los roles tradicionales se cuestionan, así como el mito de que los miembros de una familia necesariamente se deben querer, aunque sea sólo por el hecho de compartir genes, los cuales, cabe añadir, implican una herencia de rasgos físicos y emocionales (para bien y para mal). Tras la muerte de su padre, Silvia (María Renee Prudencio), sufre una depresión clínica que le dificulta cumplir con las expectativas de madre de su hijo mayor, Rodrigo (Rodrigo Azuela). Diez años después, la depresión de Silvia no ha desaparecido y Rodrigo se ha convertido en un adolescente recalcitrante y amargo que le guarda rencor a su madre por reconocerse en ella. Por otro lado, Samuel (Américo Hollander), hijo menor de Silvia, ocupa el lugar de cuidador empático. Un día Silvia desaparece y los hermanos deciden emprender un viaje para buscarla.

“El hijo mayor se reconoce demasiado en la madre , lo que provoca un rechazo hacia ella. El hermano mayor es testigo de muchas cosas que el menor no sabe y su manera de canalizarlo es a través de la violencia”, dijo Pablos en una entrevista.

 

2. Salma, Kim Longinotto, Reino Unido, 2013 –  Sección: Planetario

El documental de esta celebrada realizadora inglesa conocida por una serie de documentales sobre mujeres y temas de género, cuenta la historia de Salma, mujer musulmana de un pequeño pueblo en el sur de India, quien a los 13 años fue encerrada en un cuarto para evitar que estudiara. Salma vio la vida pasar por una pequeña ventana al ras del piso y, después de 6 años, fue obligada a casarse con un hombre que continuó su encierro. Así vivió 25 años. Su única salvación: las palabras. Esta mujer desafió los límites de cuatro paredes  y una familia. Al final no sólo logró escribir poesía, a pesar de las amenazas y violencia de su esposo, también logró publicarla. Salma encontró la libertad en la prisión y, a pesar del intento de aislarla del mundo, se convirtió en la poeta tamil contemporánea más importante. En este documental, Salma, ahora activista política y escritora, regresa a su pueblo a confrontar una realidad que ha cambiado a paso lento, casi imperceptiblemente. 

 

3. Me llamo hmmm, agnés b, Francia, 2013 – Sección: Gran Público

Esta película, ópera prima de Agnes B, conocida por su trabajo en el diseño de moda y la producción (productora ejecutiva de Spring Breakers de Harmony Korine, por dar un ejemplo de una larga lista), es una road movie accidental. Céline (Lou-Lélia Demerliac) vive en un ambiente de negligencia y violencia. Su madre está ausente, su padre abusa de ella y su infancia está dedicada a cuidar a sus hermanos menores. Céline aprovecha una excursión de la escuela a la playa para escapar. Decide esconderse en la parte trasera de una casa rodante y, cuando despierta, su viaje con el conductor del automóvil, Peter Ellis (Douglas Gordon), ha comenzado. Esta pareja improbable tiene problemas para comunicarse pero terminan por entender las cosas más fundamentales de la vida una y otro.

 

4. Movimientos de noche, Kelly Reichardt, Estados Unidos, 2013 – Sección: Galas

Esta cinta sobre tres activistas ecologistas (Dakota Fanning, Peter Saarsgard y Jesse Eisenberg) se inserta de manera natural en la carrera fílmica de Kelly Reichardt, quien ha realizado cinco largometrajes, entre ellos Wendy y Lucy (2009) y El atajo de Meek (2010). La preocupación de esta directora por temas relativos a la naturaleza y las políticas del medio ambiente se hace notar en los escenarios que ha utilizado a lo largo de su filmografía, la “américa salvaje” de las regiones rurales estadounidenses. En esta ocasión Movimientos de noche (Night Moves) explora los límites del activismo y el ecoterrorismo mientras sus protagonistas se preparan para bombardear una presa hidroeléctrica.

 

5. Cómo desaparecer por completo, Raya Martin, Filipinas, 2013 – Sección: Panorama autoral

Cinta de terror protagonizada por una niña que busca desaparecer. Todos los días sale a jugar al bosque para escapar de su madre obsesionada con pasajes bíblicos y su padre alcohólico. El guionista, director y escritor filipino, Raya Martin, presenta una película sobre la realidad de una familia a través de elementos fantásticos y convenciones del género de terror estadounidense. Sin embargo, su estilo se centra en las imágenes.

“Martin favorece la abstracción y por eso la cinta se desarrolla más por la coherencia emocional y psicológica de los personajes que por las exigencia de una historia de narrativa convencional. Conocemos la construcción básica de los personajes: una niña, su madre religiosa y su padre perennemente intoxicado, con un fantasma en la periferia. También sabemos de las presiones que aquejan a la familia, desde la inestabilidad económica, hasta el exceso de vicios y, de manera aún más alarmante, indicios de abuso sexual. En lugar de construir la historia alrededor de estos elementos, Martin enriquece pocas situaciones y acciones haciendo énfasis en el sonido y la imagen y no sobre el contenido retratado”.

– Calum Marsh

 

6. Señorita violencia, Alexandros Avranas, Grecia, 2013 – Sección: Panorama autoral

Angeliki salta del balcón de su casa en su cumpleaños número once. Esto desencadena una investigación sobre esta familia, que en un principio aparentaba cierto grado de funcionalidad, lo cual comienza a develar una serie de terribles secretos. Avranas se suma a lo que la crítica ha llamado el nuevo cine griego, cuyos exponentes (Yorgos Lanthimos con Dogtooth o Athina Rachel Tsangari con Attenberg) retratan familias rotas que viven sus conflictos con violencia velada y sutil. Construida como un rompecabezas, el segundo largometraje de este director invita al espectador a hacer un trabajo detectivesco a lo largo de la cinta para descubrir qué se esconde detrás de la sonrisa de una niña que se precipita a su muerte sin razón aparente.

 

7. Agua estancada, Shinji Aoyama, Japón, 2013 – Sección: Panorama autoral

Una cinta sobre la violencia en relaciones de pareja y la repetición de patrones de abuso en distintas generaciones. Toma, joven de 17 años, detesta la manera en la que su padre trata a su amante, Kotoko. Cuando él comienza a una relación con Chigusa, cae en cuenta de que está haciendo lo mismo. El conflicto padre-hijo es el hilo conductor de esta historia sobre violencia confundida con amor. El filme está basado en la novela corta de Shinya Tanakawhich que en 2011 ganó el premio literario más importante en Japón, el Premio Akutagawa.

 

8. Gerontofilia, Bruce La Bruce, Canadá, 2013 – Sección: Gran público

El trailer promocional de este filme cierra con la sobre utilizada frase “No es otra…” Por lo general las películas se jactan de ser distintas dentro de una fórmula definida precisamente cuando no lo son. Sin embargo, en el caso de Gerontofilia (escrita y dirigida por el prolífico Bruce La Bruce, quien acaba de sorprender al público de Berlín con Pierrot Lunaire (2014)),  basta ver el trailer para saber que, en efecto, no estamos ante otra comedia romántica. Aunque la cinta está construida a partir de los enredos y dilemas sentimentales necesarios para contar una historia en este género cinematográfico, las cartas están volteadas y los clichés pierden su efecto de “ya lo he visto antes” por estar asociados a un fetiche sexual poco común.

Fuentes:

http://www.vanguardia.com.mx/debutaelmexicanodavidpablosenlamostraconlavidadespues-1824617.html

http://www.wmm.com/salma/

http://www.film.com/movies/rotterdam-review-how-to-disappear-completely

Recomendaciones MICGénero FICUNAM

La programación de la cuarta edición de FICUNAM tiene cine para todos los gustos, así como retrospectivas, conferencias y eventos imperdibles. A continuación encontrarán una selección de películas de las distintas secciones del Festival Internacional de Cine de la UNAM. Aquí nuestras siete recomendaciones con perspectiva de género:

1. El extraño del lago, Alain Guiraudie, Francia, 2013

Esta película retrata la rutina de una playa homosexual nudista a la que Franck (Pierre Deladonchamps) va todos los días a tomar el sol, encontrar una pareja sexual y disfrutar el verano. La paz a la orilla del lago se interrumpe cuando se descubre un asesinato. Franck, por su parte, comienza a enamorarse de Michel (Christophe Paou), un hombre potencialmente peligroso y vinculado con este crimen. A pesar de que Franck sabe el riesgo que su relación con Michel representa, decide perseguir este amorío .

Esta cinta, parte de la retrospectiva de Alain Guiraudie, fue descrita por Roger Koza como una “comedia policial erótica” en el programa de FICUNAM. A pesar de lo ecléctico de esta combinación, hay que admitir que suena muy bien.

2. Se levanta el viento, Hayao Miyazaki, Japón, 2013

Con frecuencia leemos artículos y comentarios sobre la carencia de personajes femeninos fuertes e independientes dentro de la animación o el cine infantil. Sin embargo, este tipo de análisis suele limitarse a producciones estadounidenses, en particular a la películas de Disney con princesas que sacrifican hasta la voz en busca de un príncipe que han visto una vez en su vida. Este, por supuesto, no es el caso de las cintas animadas de Hayao Miyazaki. Aunque algunas de sus películas quizá no son del todo “aptas” para niñas y niños por su complejidad conceptual y visual, presentan personajes femeninos protagónicos muy alejados de los estándares. Como ejemplo basta mencionar a Chihiro de El viaje de Chihiro, a San de La Princesa Mononoke, a Sofi de El castillo vagabundo y a las dos tiernas niñas de Mi vecino Totoro.

El Festival Internacional de Cine de la UNAM inaugura su cuarta edición con la última película de Miyazaki, quien anunció su retiro definitivo el año pasado. En esta ocasión este director retrata la vida de Jiro Horikoshi, el hombre que diseñó los aviones de batalla japoneses durante la Segunda Guerra Mundial. Sin duda vale la pena verla en pantalla grande.

3. El palacio, Nicolás Pereda, México, 2013

Este mediometraje documental retrata la vida de diecisiete mujeres de todas las edades que habitan la misma casa. Las razones de su convivencia al principio no son claras, pero poco a poco se revela una situación de clases, así como la relación entre empleadas y patrones de una finca. Estas mujeres se entrenan para realizar diversos trabajos, por ejemplo enfermeras privadas para adultos mayores o trabajadoras domésticas. La vida en esta casa, dijo Pereda en una entrevista, no es tan caótica como esperaba en un principio. Este filme retrata lo cotidiano, la rutina y la vida en conjunto de un grupo que enfrenta una serie de situaciones difíciles.

“Pereda invisibiliza al patrón, pero lo introduce en el fuera de campo de las entrevistas (una característica de su poética) mediante las cuales el empleador se cerciora de las virtudes de sus posibles empleados”.

-Roger Koza

Palacio

Consulta la programación completa de la sección “Ahora México” de FICUNAM para conocer más cine contemporáneo de nuestro país.

4. Detén el corazón palpitante, Roberto Minervini, Italia, 2013

Esta película, parte de la competencia internacional de FICUNAM 2014, narra la historia de la familia Carlson, granjeros cristianos del este de Texas miembros de una comunidad endógena con reglas sociales estrictas. La crisis de Sara, la hija mayor,  explota cuando el matrimonio arreglado por sus padres se acerca. Éste coincide con la aparición de Colby, un joven que monta toros en el rodeo. Sara enfrenta la angustia de entrar a la vida adulta en una sociedad cerrada en la que  no es libre de tomar decisiones.

Minervini nos ofrece un retrato social, con la delicadeza de una cámara que roza a los personajes, en el intento de retratar sus movimientos interiores. Evita el juicio de los planos abiertos, no presume ninguna pretensión interpretativa. Los personajes se develan frente a la observación respetuosa y paciente, que con una historia sencilla es capaz de contar algo muy profundo del ser humano.

– Eva Sangiorgi

5. El incompleto, Jan Soldat, Alemania, 2013

–Puedes describirte?
–Odenwald-Gay… o Gollum… ¡o Klaus! ¡60 años… gay… esclavo!

El incompleto es un retrato documental de Klaus Johannes Wolf, un hombre que decidió vivir como esclavo. En esta cinta habla sobre su decisión de ser esclavo, la relación con sus padres y qué significa la desnudez; todo esto mientras está encadenado a su cama. Finalmente, abandona todo para ir a un campamento de esclavos y perfeccionar sus habilidades serviles.

Ser esclavo en la sociedad moderna es muy similar a ser documentalista. Se trata de intentar tener la mayor libertad posible dentro de los límites autoimpuestos.

– Jan Soldat

6. Abuso de debilidad, Katherine Breillat, Francia, 2013

Después de haber sufrido un derrame cerebral, Maud (Isabelle Huppert) queda paralizada de la mitad del cuerpo, lo cual la deja totalmente vulnerable y dependiente. Una noche descubre a Vilko Piran (Kool Shen), un delincuente famoso por sus fraudes y estafas a celebridades, empresarios y magnates, mientras mira un noticiero. Maud quiere que Vilko sea protagonista de su nueva película. Cuando los dos se encuentran, comienzan una extraña relación amistosa y abusiva al mismo tiempo.

7. Nuestra Sunhi, Sang-soo Hong, Corea del Sur, 2013

La película de clausura de FICUNAM 2013 es sobre Sunhi, una mujer que regresa a su antigua universidad y se encuentra varios hombres de su pasado, incluyendo un maestro y su exnovio.

Todos los hombres involucrados sienten algo por Suhni, pero nunca queda del todo claro qué siente ella. El deseo de la mujer es un misterio y, si bien todos intentarán describir quién y cómo es Sunhi, la perplejidad se impondrá sobre el género masculino

– Roger Koza

Fuente: http://www.ficunam.unam.mx/index.php/programacion/perseccion-2014

Ganadoras del Premio Teddy en la Berlinale

Desde 1987 un jurado especial otorga el  Premio Teddy en el marco de la Berlinale. Este premio  es uno de los reconocimientos más importantes para películas con temáticas LGBT de todo el mundo. Las categorías principales son Mejor Largometraje de Ficción y Mejor Documental / Ensayo Fílmico. Además se entrega un premio al Mejor Cortometraje y un Premio Especial del Jurado.

Las ganadoras del Premio Teddy 2014 son:

Mejor largometraje de ficción: Hoje Eu Quero Voltar Sozinho (The Way He Looks), Daniel Ribeiro, Brasil, 2014

Esta cinta es la ópera prima de Daniel Ribeiro, director galardonado con el premio a  mejor cortometraje del Festival Internacional de Cine Gay de Torino en 2008 por su corto “Café con leche”. Esta cinta narra la historia de tres adolescentes: Leo, un chico ciego cansado de que le digan que no puede hacer cosas solo en busca de su independencia; su mejor amiga Giovana, triste ante la idea de que Leo deje la escuela para ir a un internado lejos de ella; y el chico nuevo de la escuela, Gabriel, quien llega a cambiar la perspectiva de Leo al despertar sentimientos que lo hacen reconsiderar sus planes.

Comentario del jurado: Alegre largometraje debut de un director que combina un gran guión, gran construcción de personajes, actuación, fotografía y música para realizar una película que se separa de las muy exploradas cintas del género de maduración o “coming of age” y la da un nuevo significado a la conocida frase “el amor es ciego”.

Mejor documental / ensayo fílmico: Der Kreis (The Circle), Stephan Haupt, Suiza, 2014

Para principios de la década de 1940  la red alrededor de la revista Der Kreis (El círculo) fue la única organización gay que había logrado sobrevivir el régimen Nazi. Sus legendarios bailes con máscaras recibían 800 invitados de toda Europa. En este contexto el tímido maestro Ernst Ostertag se enamoró de la estrella drag Röbi Rapp. Este maestro lucha por hacer que su homosexualidad sea aceptada como normal fuera de los límites de “El círculo” sin por ello perder su trabajo. Esta película de Stephan Haupt revela el fascinante universo de una de las primeras comunidades de liberación gay. Este filme retrata varias décadas de una historia de amor enriquecida con material fílmico de conversaciones con Ernst Ostertad y Röbi Rapp.

Comentario del jurado: Esta  película es una reflexión en torno a las historias “queer” personales en la Suiza de mediados del siglo XX. La cinta arroja luz sobre la necesidad y urgencia de resistir y combatir la proliferación de la homofobia en todo el planeta.

Mejor cortometraje: “Mondial 2010”, Roy Dib, Líbano, 2013

Una pareja libanesa decide hacer un viaje por carretea hasta Ramala. Este corto consiste en la filmación de estos dos hombres mientras hacen una crónica de su viaje. De esta forma, la audiencia puede entrar en las conversaciones de las parejas y al universo de esta ciudad palestina.

Comentario del jurado: Este corto nos lleva a un viaje, tanto de manera literal como personal, a través de un paisaje peligroso en el que la invisibilidad es un aspecto necesario para la supervivencia de las personas homosexuales.

Premio del jurado: Pierrot Lunaire, Bruce laBruce, Alemania, 2014

Una mujer que con frecuencia se viste de hombre, se enamora y seduce a una joven, quien no tiene idea que su amante es del mismo sexo. Cuando la presenta a su familia como “su novio” su padre comienza a tener sospechas y descubre la mentira.

Comentario del jurado: El jurado del Premio Teddy reconoce la nueva pieza de Bruce LaBruce como una adición importante a su obra, la cual continúa explorando el concepto “Queer” en todos los sentidos. En esta cinta LaBruce recombina tres elementos –lenguaje cinematográfico de vanguardia, un uso sofisticado de la música y la extraordinaria actuación de Susanne Sachse– para renovar este clásico avant garde.

Fuente: http://blog.teddyaward.tv/en/2014/02/14/teddy-winners-2014/

Traducción: H.A.

La necesidad de entender las necesidades especiales

Hipatia Argüero Mendoza

Quise ver La necesidad especial (Carlo Zoratti, 2013) inmediatamente después de ver el trailer, el cual prometía una road movie llena de aventuras, risas y diversión. El viaje que Carlo y Alex emprenden con el fin de ayudar a su amigo Enea, un chico autista (su condición mental no se aclara con exactitud) de 29 años obsesionado con encontrar el amor y perder su virginidad, me pareció una idea brillante y sencilla para un documental, por un lado esperanzador y por otro repleto de las peripecias de tres hombres italianos solicitando el servicio de prostitutas a lo largo y ancho de Europa. En un principio creí que este documental exploraría los límites de la prostitución y la fina línea que existe entre la terapia sexual y el sexo por dinero. Sin embargo, aunque sí es uno de los temas de la película, se aborda de manera tangencial y con muy poca profundidad.

En realidad, La necesidad especial no es la road movie documental de comedia que me imaginaba. Por supuesto, el tema del sexo (o de no encontrar con quién tener sexo) es el hilo conductor de la película, pero hay otro elemento que yo considero aún más impactante. Carlo y Alex actúan de acuerdo a lo que entienden es “la necesidad especial” de su amigo con una discapacidad mental. Enea se expresa abiertamente sobre lo que quiere y lo busca de manera activa. El viaje es la solución que Alex y Carlo encuentran para ponerle fin al problema; sin embargo, en ningún momento tienen claro qué es exactamente lo que deben solucionar.

Enea tiene un historial de abordar chicas en la calle para “ligar”. A todas les da el mismo discurso acompañado de su biografía resumida. En general es muy respetuoso aunque un tanto invasivo, por lo cual nunca obtiene el resultado esperado. Pero, ¿qué tal que el resultado esperado es el acto de acercarse a una chica y hablar con ella en sí? ¿Qué pasa si Enea no tiene planeado qué haría si una mujer de hecho aceptara salir con él? Esta posibilidad es algo que ni Carlo ni Alex contemplan y asumen que el único obstáculo es que no han encontrado a una persona dispuesta.

Retratar la vida interna de una persona siempre es difícil y muchas veces lo es más a partir de la visión no ficcionada (o sólo parcialmente modificada) del documental. El gran acierto de La necesidad especial es que el espectador acompaña a Carlo y Alex en su descubrimiento del mundo interno de Enea, quien todo el tiempo habla sin ningún reparo de todas las mujeres con las que querría acostarse y lo bellas y perfectas que deben ser. Pero, ¿por qué habla de esta manera? ¿Por qué dice estar enamorado de una modelo de revista? Quizá sea imposible encontrar una respuesta única o una “verdadera”, pero muy probablemente se deba a algo que la mayoría de las personas hacemos: decir y hacer este tipo de cosas por imitación a partir de estándares impuestos de belleza y sexualidad. Lo que vemos en este documental es a tres amigos tan cercanos y unidos que comparten todo—expectativas y deseos— sin embargo uno de ellos es distinto y probablemente tiene expectativas y deseos diferentes. Al principio de la película Enea observa a Carlo y a Alex bailando con mujeres (se asume que son sus novias) desde una esquina, solitario. Este momento sobredramatizado ayuda a explicar un poco la situación de Enea dentro del triangulo de amistad. Se siente aislado por no ser parte de ese mundo del amor, el sexo y las parejas, y por eso, está tan obsesionado con entrar a él.

El viaje tiene apenas dos paradas, ambas extremadamente anticlimáticas aunque llenas de ternura. La primera es un burdel en Austria al que los tres amigos acuden siguiendo la recomendación de las representantes de un grupo de derechos sexuales para las prostitutas en Italia. En pocas palabras les dicen: “En este país no encontrarán una prostituta que esté dispuesta a acostarse con alguien con una discapacidad mental”. Este hecho también me pareció sorprendente. Las prostitutas que Carlo y Alex abordan en Italia no tienen ningún problema con clientes cuyas discapacidades son físicas: “Mientras funcione…”. Sin embargo, todas se niegan a aceptar un cliente con una discapacidad mental.

La experiencia de Enea en el burdel es confusa; pasa poco tiempo ahí y decide salirse antes de que comience la acción. Después de esto Carlo y Alex le preguntan por qué no se acuesta con una de las chicas y Enea responde que no tiene dinero para pagarles. En ese momento Alex y Carlo caen en cuenta de que quizá esa “necesidad especial” no es tan simple ni burda y que no basta tener una mujer dispuesta. Alex decide tomar un paso atrás cuando Enea dice no querer acostarse con una mujer a la que no ama.

Finalmente, Alex y Carlo encuentran un grupo de terapia sexual en Alemania donde Enea puede tocar el cuerpo de una mujer y ser tocado por alguien que entiende los límites y ritmo de una persona como Enea.  Al final, la frustración de Alex y Carlo es mucho mayor que la de Enea, quien no se acuesta con la terapeuta porque “No iba a ser mi novia para toda la vida”.

El verdadero tema de esta cinta es la amistad, pero no de una forma cursi, sino en términos de la imposibilidad de entrar a la cabeza y entender por completo a una persona. El caso de Enea resulta particularmente interesante porque es un hombre cuya mente funciona distinto, pero al mismo tiempo entiende lo que se considera “normal” e intenta apegarse a ello. Sin embargo, su reticencia a ser tocado por una mujer prácticamente desconocida o a tener relaciones sexuales demuestra que no vive ni quiere vivir su sexualidad como el resto de la gente. Curiosamente, es Enea el que, por no romperle el corazón a sus amigos, decide emprender este viaje y darles a ellos la satisfacción de ayudarlo. No al revés.

Esta película, parte de la programación de la gira de documentales Ambulante 2014, es muy recomendable. #MICGéneroRecomienda

FICUNAM: en competencia

Compartimos la selección de películas que formarán parte de la competencia internacional de FICUNAM 2014. Consulten la programación completa en http://www.ficunam.unam.mx/

Fuente: Comunicado de prensa FICUNAM 2014

Competencia Internacional / CI: La selección de películas de esta sección desconoce la distinción canónica entre la ficción y el documental, priorizando de ese modo propuestas que puedan ir más allá de esas categorías y redefinan el cine contemporáneo. Es una competencia para directores con una trayectoria en plena construcción que representen la riqueza y la de los autores que hacen cine en nuestro tiempo, y que en sus películas se evidencien riesgo y rigor formal y pertinencia en los temas elegidos para filmar.

Títulos

  • Costa da Morte
    Lois Patiño / 2013. Presencia de director
  • El lugar del hijo
    Manolo Nieto / 2013. Presencia de director
  • Stop the Pounding Heart / Detén el corazón palpitante
    Roberto Minervini / 2013. Presencia de director
  • Història de la meva mort / Historia de mi muerte       
    Albert Serra / 2013. Presencia de director
  • Thawra Zanj / Rebelión Zanj
    Tariq Teguia / 2013. Presencia de director
  • Que ta joie demeure / Que tu alegría perdure
    Denis Côté / 2014. Presencia de director
  • Chaz Zhyttya Objecta (Film Pro Nezniatyi Film) / El lapso de vida del objeto encuadrado (película de una película aún no filmada)
    Aleksandr Balagura / 2013. Presencia de director
  • Când se lasă seara peste Bucareşti au Metabolism / Cuando la noche cae sobre Bucarest o Metabolismo
    Corneliu Porumboiu / 2013.
  • Mouton / Oveja
    Marianne Pistone, Gilles Deroo / 2013. Presencia de los directores
  • Navajazo *ESTRENO MUNDIAL*         
    Ricardo Silva / 2014. Presencia de director
  • Trois exercises d’interprétation / Tres ejercicios de interpretación
    Cristi Puiu / 2013.
  • Nepal Forever / Nepal por siempre
    Aliona Polunina / 2013. Presencia de director

Jurado

Edgardo Cozarinsky. Crítico de cine, escritor y cineasta. Argentina
Simon Field. Productor. Reino Unido
Mariana Botey.  Historiadora del arte y videoasta. México
Kent Jones. Crítico de cine, guionista y cineasta. Estados Unidos
Natalia López Gallardo. Realizadora y editora de cine. México